Actualités 2021

Entretien avec Natalia JAIME CORTEZ

Natalia Jaime Cortez est une artiste plasticienne qui a travaillé dans le cadre d'une résidence artistique dans le réfectoire du Prieuré en 2019. Une fois la réouverture des lieux possibles, elle révèlera au public ses créations et ses projets. En janvier, elle accorde une interview à Anne-Laure Chamboissier, commissaire artistique du projet "Habiter les lieux" qui réunit une dizaine d’artistes, invités à habiter des lieux* en Touraine du printemps à l’automne 2021 à la suite d’une résidence de création.

1- Tu as mené une résidence au Prieuré Saint Cosme à l’automne 2019 durant deux mois. J’aimerais que tu m’en parles un peu plus précisément et ce que tu as tenté d’y capter?

Quand je suis arrivée au Prieuré , je revenais d’un voyage en Italie où j’avais pu découvrir entre autre chose la basilique de Saint-François d’Assise ornée des fameuses fresques de Giotto. J’étais imprégnée de ces fresques, de la couleur à même le mur, de cette vision éblouissante d’une peinture qui occupait tout l’espace de la basilique.  J’ai appris en 2018 la technique traditionnelle de la fresque étudiant les propriétés fascinantes de  la chaux pigmentée et de sa carbonatation. En arrivant au Prieuré j’avais en moi cette vision de la couleur comme habitante des lieux et aussi l’envie de revenir à une couleur non plus faite de poudre et de poussière ( pastels, pigment, chaux, plâtre, poudre de marbre etc…) mais une couleur liquide à l’encre. Une pratique qui me permettait de revenir vers l’eau un élément important dans mon travail. De plus la présence de la Loire non loin de là attirait toute mon attention. J’ai passé deux mois à travailler sur cette couleur à déployer dans l’espace . Je me suis posée beaucoup de questions techniques, car j’essayais de travailler sur de très grandes surfaces de papier. Comment obtenir des aplats très réguliers ou inversement? J’ai quitté le Prieuré emportant avec moi ce qui devait être l’exposition mais tout était à construire encore. J’avais une nouvelle matière première; des dizaines et des dizaines de papiers colorés de toutes les tailles et de toutes les formes pour de possible assemblages.

Tout en travaillant à cela, j’ai passé beaucoup de temps à observer ce vaste lieu et ses usagers. J’ai fait de nombreuses photographies du jardin. J’ai interviewé chaque membre de la petite équipe qui y travaille afin qu’ils me racontent ce lieu. J’ai cherché à me relier à l’histoire, au site, à l’architecture. J’ai réalisé des vidéos. Mais je dois admettre que le travail sur la couleur m’a principalement occupée.

2-Quels changements se sont-ils opérés par rapport à ta proposition de sortie de résidence et ce temps d’exposition qui n’a lieu finalement qu’en 2021?

Une année est passée, ce qui venait tout juste d’apparaître à eu le temps de se déposer et de murir. J’ai le recul que je n’avais pas ainsi la proposition va être très différente tout en conservant le fond de la recherche. L’année dernière j’avais imaginé un ensemble de portants dans l’espace d’exposition pour accueillir la couleur, d’où le titre de l’exposition. Cette année les papiers seront suspendus dans l’espace en différents endroits créant des espaces de circulation pour le visiteur. Cette proposition est plus englobante pour le lieu et me permet plus de liberté dans la perception que l’on aura de cet espace.

De plus une année est passée, mais quelle année! Le contexte actuel, la crise sanitaire, l’impossibilité concrète et généralisée que nous avons aujourd’hui de circuler librement, m’ont plongés dans de nombreuses réflexions sur ce que pouvait être la pratique artistique et les œuvres.  C’est dans le constat de cette actualité et la nécessité d’agir que j’’ai imaginé un projet: 71%.

Aussi j’ai décidé d’intégrer à l’exposition ce projet qui prend aussi tout son sens au Prieuré en raison de la présence de la Loire. 71%  est un projet où je souhaite faire circuler auprès d’artistes du monde entier, sous la forme d’un relais par voie postale, un grand papier blanc plié (ouvert 4m20x3m80 - plié 20x20x12). Chacun.e devra tremper le papier plié dans un cours d’eau vive de son choix. Chaque bain sera filmé par l’artiste. Quand le papier aura séché, l’artiste devra renvoyer le papier à un.e autre artiste d’un autre pays. Le projet sera essentiellement virtuel via la conception d’un site internet où chaque bain sera documenté et chaque artiste présenté.e. Alors qu’en 2016 j’initiais ce geste de trempage dans les eaux boueuses du fleuve Mékong, aujourd’hui je confie mon geste à d’autres, afin qu’ils.elles me donnent à voir leur lieu, leur geste et leur pratique. Ce projet interroge ce bien précieux qui recouvre à 71% la surface de la terre. L’eau qui nous sépare et nous relie à la fois, qui façonnent géologiquement, économiquement et politiquement notre monde. L’eau avec toute la dimension environnementale et écologique qu’elle sous entend.

Le papier sera trempé dans la Loire le 20 juin 2021 lors de la performance prévue et partira pour son premier voyage le 19 septembre 2021 lors de la seconde performance annoncée.

Ce projet s’intègre d’autant plus à l’autre part de l’exposition qui avait été imaginée, à savoir l’évocation par la vidéos, le son et des objets, d’autres fleuves du monde où j’avais pu mener des gestes et des actions.

Ainsi comme prévu initialement, l’exposition occupera tous les différents espaces du Prieuré Saint-Cosme.

3- Différentes formes colorées aux dimensions variées, en suspension ou sur le mur, créent un espace dans un espace déjà existant. Ces formes colorées sont-elles à considérer comme des ponctuations venant rythmées l’espace? Ou/et sont-elles révélatrices de tel ou tel aspect de l’architecture par leurs seules présences?

Je pense qu’il s’agit des deux.

Le réfectoire du Prieuré Saint-Cosme est un espace assez difficile du fait de ses proportions ( 28mx8mx8m). Il change beaucoup d’aspect en fonction de la lumière. La couleur sera à la fois un indice fort dans cet univers de pierre de tuffeau. Elle agira comme le signal d’une présence discrète et ténue. Mais elle sera aussi le moyen de construire un espace dans l’espace.  Une façon de mettre en jeu la circulation du visiteur et sa perception des lieux.  En général le visiteur qui passe la porte du réfectoire trace une diagonale en direction de la très belle chaire, puis il se retourne pour considérer « le reste ». Peut-être qu’en jouant avec les différentes échelles du papier, le réfectoire sera aussi plus habitable à l’échelle du corps.

4- Par la création de ces habitacles de couleurs dans l’espace, tu engages le corps des visiteurs, nous invitant à y entrer. Cela induit-il un autre rapport que l’on puisse avoir à la peinture?

Je travaille toujours sur un papier de calligraphie qui vient d’Asie. C’est important car je ne travaille pas sur une surface mais avec une matière absorbante. Le papier de calligraphie a cette magnifique propriété. Ce qui compte c’est que l’encre traverse la feuille. Il n’y a pas de recto et de verso pour moi et d’autant plus dans ce travail de la couleur. La question picturale est là mais la question sculpturale aussi.  L’encre traverse la feuille comme la lumière quand les papiers sont suspendus comme le corps qui circule autour.

5- Ta démarche artistique se partage entre une pratique du dessin et l’élaboration de performances in situ.  Le Geste, central dans ton travail, est-il le point de jonction entre ces deux pratiques?

Oui et l’exposition va vraiment être le témoin de cette double préoccupation. L’un n’existe pas sans l’autre ce sont des vases communicants.

6- Tu as réalisé deux vidéos in situ, j’aimerais que tu nous en parles plus précisément. Comment se glissent-elle dans l’organisation de l’espace d’exposition? Quel statut leur donnes-tu?

La vidéo m’intéresse dans la temporalité qu’elle amène. Nous sommes ici et nous sommes ailleurs. Je suis venue à l’automne 2019 , j’ai filmé ces deux petits passages de lumière, l’un sur la pierre du réfectoire l’autre dans le jardin .  La pierre demeure mais le temps passe. Les saisons s’enchainent, les cours d’eau filent, la lumière suit son cycle. Que reste-t-il? C’est une question lancinante qui revient sans cesse.  J’aime le contraste entre le patrimoine, sa charge historique, et l’immatérialité d’une tâche de lumière. La notion de patrimoine m’a toujours beaucoup interrogée. Peut-être est-ce lié à mon histoire familiale qui est faite de nombreuses migrations. La relation que je tisse avec ces lieux en est certainement imprégnée, je cherche à créer un mouvement, emporter le visiteurs ailleurs. Alors je filme la lumière évanescente, je place des vidéos qui témoignent de gestes qui ont eu lieu en bordure d’autres fleuves, et j’invente des projets tentaculaires à travers le monde tout en restant immobile.

La vidéo Le rose est aussi un clin d’oeil à Ronsard qui est quand même le maître des lieux. Je pense aussi au vers très connu de Gertrude Stein « une rose est une rose est une rose » qui renvoie à la matérialité concrète de l’oeuvre et qui ne serait pas sans lien avec ce qui se passe dans mon travail pictural.

Entretien d’Anne-Laure Chamboissier avec Natalia Jaime Cortez, janvier 2021

*Les lieux : Château d’Azay Le Rideau, Chartreuse du Liget, Château de Montrésor, La Collégiale De Bueil-en-Touraine, Château de Gizeux, Château de Valmer-Chançay, Château de Champchevrier, Prieuré de St Cosme - Maison de Ronsard- La Riche, Musée Balzac - Château de Saché, La Devinière - Maison Rabelais, Domaine de Candé-Monts, Écomusée du Véron.

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